Programm 10/25 – 01/26

Die Botschaft der Liebe erreicht nur wenige Menschen. Kein Wunder, sind die Konzerte des immer schneller alternden Böhmer nur sehr schlecht besucht. Manager-Legende Ezechiel Pankrist, Außerirdischer, glaubt dennoch an seinen Schützling und hat von den geringen Ticket-Einnahmen des letzten Jahrzehnts eine Zeitmaschine gebaut. Und so begeben sich Böhmer und Kompositions-Genie Danny Diamond auf eine Reise durch die Epochen. Sie wollen aus der Vergangenheit lernen und die Trends der Moderne erschnüffeln. Nach Begegnungen mit mittel-alterlichen Troubadouren, ultra-künstlichen Intelligenzen und ganz viel Dummheit fühlen sie sich bereit in die Zukunft zurückzukehren. Und stellen mit Erschrecken fest: Die Welt wartet nicht.

In der Welt des Theaters verlassen wir uns beim Erzählen von Geschichten fast ausschließlich auf das Sehen und den Ton und lassen einige unserer stärksten Sinne ungenutzt. Der Geruchssinn – der Sinn, der am engsten mit Erinnerungen und Emotionen verknüpft ist – fehlt häufig auf der Bühne, obwohl er die Macht hat, das Publikum stärker in eine Welt hineinzuziehen als jedes Bühnenbild oder jede Partitur allein. Diese olfaktorischen Hinweise können Assoziationen hervorrufen, Atmosphäre schaffen und die Vorstellungskraft und Reflexion auf eine Weise anregen, wie es Worte und Bilder allein oft nicht können.

Mit SMELL wird die Bühne von einer oft vernachlässigten Macht durchdrungen: der Macht des Parfums. Dieses zeitgenössische Stück erforscht die evokativen Fähigkeiten der Nase und öffnet einen neuen Sinneskanal zwischen Künstlern und Zuschauern. Denn riechen heißt auch erinnern, begehren und ablehnen.

In dieser zweiteiligen choreografischen Kreation untersuchen zwei Tänzerinnen und eine Choreografin die Dualität des Parfums: seine Fähigkeit zu verführen, aber auch abzustoßen. Zwischen dem Reiz des Luxus und dem Stigma der Ausgrenzung, zwischen Parfum und Schweiß wird die Bühne zum Schauplatz eines verstörenden Dialogs zwischen Ästhetik und Politik.

SMELL verführt nicht nur das Auge – sie weckt alle Sinne.

Epitaph erzählt die Geschichte von Lucy, die von einem schicksalhaften Ereignis aus der Bahn geworfen wird. Zerrüttet von Einsamkeit, Trauer und Wut fasst sie den Entschluss, die Justiz selbst in die Hand zu nehmen. Sie hat nichts mehr zu verlieren, denn ihr Urteil steht fest. Und Rache ist ihr einziger Schwur.

„Münter gelingt die überzeugende Darstellung des Psychogramms, das Hertrich und sie gezeichnet haben. Eine Meisterleistung.“ – Michael Zerban, O-Ton Kulturmagazin

Mit Yasmin Münter und Marion Schüller
Story & Text: Dominik Hertrich & Yasmin Münter
Regie: Dominik Hertrich
Outside Eyes: Christina Binta & Carsten Caniglia
Fotos und Videos: Dirk Gerigk und Stefan Bahl,
bs-films/bsfotoart

Herzlichen Dank an unsere Förderer:

Atmosphärisch ungemein dicht, schwelgerisch und höchst sinnlich – Das Sheen Trio gestaltet seine einzigartige Musik wie ein mythisches Fortbewegungsmittel. Feingliedrig und nuancenreich verweben sich Stränge aus Jazz, Rock und experimenteller Musik mit musikalischen Einflüssen aus dem Iran, der Heimat der Klarinettistin und Komponistin Shabnam Parvaresh. Ihre musikalische Karriere begann in ihrer Heimatstadt Teheran am Teheraner Symphonie Orchester, 2014 kam sie nach Deutschland, um Jazz-Klarinette zu studieren. Fünf Jahre später gründete sie das Sheen Trio als Amalgam all ihrer musikalischen Einflüsse.

Der Trio-Klang gleicht einer musikalischen Migration, bei der ruhig und reflektiert, mitunter aber auch aufregend impulsiv neu gefundene Orte erkundet werden. Im Zusammenspiel mit Ula Martyn-Ellis an der Gitarre und Philipp Buck am Schlagzeug entstehen experimentierfreudige Kompositionen, in welchen Klarinettistin Shabnam Parvaresh ihre besonderen Geschichten erzählt: Von schlechter Internet-Verbindung in den 1990er-Jahren, von Kindheitserinnerungen und Freiheitskämpfen im Iran. Der Name „Sheen Trio“ bezieht sich auf das „Sheen“ den sechzehnten Buchstaben des persischen Alphabets. Der Name der Bandleaderin Shabnam Parvaresh beginnt mit einem „Sheen“.

In ihrer Hommage an das Empowerment bedeutender Sängerinnen of Color, vereint die vielseitige Sängerin Isabel Wamig verschiedene Künste zu einem poetischen Gesamterlebnis. Inspiriert von Billie Holiday, Josephine Baker, Camilla Williams, Tina Turner und ihren Schwestern von gestern und heute lässt sie gemeinsam mit ihrem Team Geschichte lebendig werden und verbindet sie mit der Gegenwart. Unterstützt von Stimmen aus dem Ruhrgebiet und aus aller Welt begibt sich die Solokünstlerin auf eine autobiografische Reise der Selbstfindung und der Befreiung ihrer Stimme. Ein kraftvolles Fest der Vielfalt, das gleich dem nigerianischen Mädchennamen Asari, Einzigartigkeit und Schönheit feiert.

Like storm I rise from the dust
Like wind I spread my wings
I follow the stars and trust
The song of love I sing

Isabel Wamig – Gesang, Tanz, Text, Regie, Komposition, Kostüm / Micha Lorenz – Gitarre, Komposition, Arrangements / Marco Girardin – Komposition, elektronische Musik, Flöte, Keyboards / Rupert Schnitzler – Komposition / Ivana Kleinertz – Videoart und Videografie / Miriam Kohler – Feedback zu Schauspiel und Regie /Carola Cohen-Friedlaender – dramaturgische Beratung /Till Caspar Juon – Portrait- und Interviewaufnahmen / Johannes Kassenberg/Opterix – Fotografie und Film / Tracy Abenaa Osei-Tutu – Moderation und Recherche /Akpekong, Edidiong Ayekong – Coaching afrikanische Musik / Janine Czichy – Flyer und Plakat /Jan Gerighausen – Ton / Christopher Kapsch – Licht / Anne Zehrt – Produktionsleitung

Amber & the Moon und Deer Anna sind zwei Indie-Künstlerinnen, deren Wege sich 2020 während ihres Studiums in Hamburg kreuzten…

Deer Anna, die schon beim Reeperbahn Festival und dem MS Dockville auf der Bühne stand, erzeugt durch ihren emotionalen Indie-Pop Soundwelten zum Wegträumen.

Amber & the Moon schreibt hinreißende Songs, die zwischen zarten, akustischen Arrangements und mitreißenden Klanglandschaften balancieren. Nach zwei Support-Touren für Rhonda, spielte sie letztes Jahr mit ihrer Band ein eigenes Konzert im kleinen Saal der Elbphilharmonie. Die eindringliche Atmosphäre und tiefe Emotionalität, die ihre Musik mit sich bringt, vereint die Hamburgerinnen.

Deshalb haben sich die beiden nun dazu entschieden, sich mit ihren unterschiedlichen, aber doch wunderbar ergänzenden Klängen zusammenzutun und sich auf eine gemeinsame Tour zu begeben. Sie werden Repertoire aus beiden Projekten spielen und sich dabei gegenseitig begleiten. Das verspricht gemütliche Abende, mit Musik, die sich zwischen emotionalem Indie-Folk und verträumtem Indie-Pop bewegt. Und wer weiß, vielleicht entsteht auf der Tour auch noch der ein oder andere gemeinsame Song…

Mit auf der Tour ist Jonathan Riedel, er begleitet Deer Anna am Bass und Amber & the Moon an der E-Gitarre.

„Die gehörte Musik zieht natürlich eine Mauer um mich und meine einzige dauernde musikalische Beeinflussung ist die, dass ich so eingesperrt, anders bin als frei.“, schrieb Kafka in einem Brief an seine letzte Freundin kurz vor seinem Tod, während er Der Bau schrieb.

Eine Erzählung, die sich existentiell und voll dunklem Humor damit beschäftigt, wie wir unser Leben konstruieren und aufbauen. Weit über das Konzept von Identität oder Ich-Konstruktionen oder Sozialisationen hinausgehend fragt sich Kafka in dieser Parabel eben nicht, was die Welt im Innersten zusammenhält, sondern, was unseren Bau im Innersten zusammenhält und warum er manchmal wie ein schlecht gebautes Kartenhaus in sich zusammenfällt. Dabei ist die Erzählung durchdrungen von akustischen Metaphern und auditiven Störungen, die den Ich-Erzähler immer tiefer in die fragile Komposition des Baues hinabziehen. Sprachlöcher, die ihn das andere Selbst erkennen lassen. Die Frage, die am Ende bleibt: Was ist dein Bau?

Regie: Christian Freund / Spiel: Selina Azcan, Christian Freund, Leon Röttinger / Musik: Paul Brauner, Riccardo Boccassini / Licht & Projektionen: Simon Krämer

Mit ihrer ersten EP, die im Januar erschienen ist, stellt sich GROUNDING, das neue Projekt des Saxophonisten Fabian Deschler vor – ein Quartett, das den Dialog zwischen Konkretem und Abstraktem auf innovative und zugängliche Weise gestaltet.

Die Band bewegt sich in einem Spannungsfeld zwischen zeitgenössischem und avantgardistischem Jazz. Prägnante Melodien entwickeln sich zu experimentellen Klängen, von energisch roh bis ruhig und introspektiv. Dabei bleiben die Musiker stets geerdet, was nicht nur als Hommage an ihren Namen, sondern als Grundsatz ihrer musikalischen Identität verstanden werden kann.

GROUNDING vereint vier aufstrebende Musiker aus Deutschland und Schweden: Fabian Deschler (Altsaxophon), Daniel Sauer (Tenorsaxophon), Olle Lannér Risenfors (Kontrabass) und Malte Wiest (Schlagzeug). Trotz, oder gerade wegen ihrer internationalen Wurzeln haben sie eine unverkennbare kollektive Klangsprache entwickelt, die den Hörer in unerwartete musikalische Welten führt.

Doch GROUNDING ist weit mehr als ein reines Studio-Projekt. Ihre Konzerte leben von einer unermüdlichen Experimentierfreude und einer musikalischen Wachheit, die jede Performance zu einem einmaligen Erlebnis machen. Mit großer Sensibilität für Details und einer beeindruckenden Spontaneität schaffen sie es, das Publikum, ob Jazzkenner oder neugierige Musikliebhaber, zu begeistern.

Fabian Deschler – Altsaxophon
Daniel Sauer – Tenorsaxophon
Olle Lannér Risenfors – Kontrabass
Malte Wiest – Schlagzeug

Zur Webseite von GROUNDING

Der Literaturprofessor Emil Hausner und seine Frau Adele sind seit Kindheitstagen ein Paar. Adele ist die vertraute Konstante im Leben des Professors. Sie führen eine harmonische und ausgeglichene Beziehung. Das Ehepaar hat genug vom Leben in der überfüllten Großstadt. Endlich leben sie auf dem Land, in tiefer Stille, friedvoll und erfreulich abgeschieden, von größtmöglicher Naturschönheit umgeben. Dieses neue Refugium durchkreuzt jedoch der einzige Nachbar vom anliegenden Haus. Er dringt in die Idylle ein und macht sich darin breit, ein maulfauler Quälgeist, der regelmäßig bewirtet zu werden wünscht.
Um den täglich zwei Stunden lang sauertöpfisch im Wohnzimmer verharrenden Gast zu vergraulen, versucht sich Emil in der Rolle des „Anöders“ und bemüht sich, ausschweifend über möglichst uninteressante Themen zu dozieren. Doch alle Strategien scheinen ins Leere zu laufen: Bei den verschiedenen, zunächst schlichten, dann listigen und schließlich rabiaten Versuchen, sich des Störenfrieds zu entledigen, wird das eigentlich sanft-kultivierte Wesen des unfreiwilligen Gastgebers auf eine harte Probe gestellt. Fieberhaft unterzieht sich der Professor einer Introspektion, um in seinem Gedächtnis ein Krisenrezept zu finden. Doch am Ende ist nichts so, wie es scheint.

Spiel: Christoph Landwehr, Inga Stück, Frank Tengler
Bühne & Requisite: Martina Flößer, Mirco Heinen
Musik: Danny-Tristan Bombosch
Assistenz & Kostüm: Anke Stemberg
Regie: Jens Dornheim
Eine Produktion von theater glassbooth

Woyzeck kann von seinem Lohn seine Geliebte Marie und das gemeinsame Kind nicht ernähren, also verdingt er sich zusätzlich als medizinisches Versuchsobjekt. Die Folgen der Versuche schwächen den ohnehin vom Leben gezeichneten so sehr, dass er sich mehr und mehr in einer Welt von Wahnvorstellungen verliert. Und so endet Woyzeck am Abgrund einer Gesellschaft, die ihm kein Halt im Leben gibt. Woyzeck wird zum Opfer toxischer patriarchaler Muster.
Electropop und experimentelle Klassik bieten bei UMS’nJIP die Reibeflächen, an welcher sich die im Woyzeck dramatisch gezeichneten Standesunterschiede wetzen. In UMS’nJIP’s Lesart hat die Person des Woyzeck zu viele Antennen und ist wegen seiner Unfähigkeit zu filtern überfordert.

Um die ZuhörerInnen diesen Zustand nacherleben zu lassen, legen UMS’nJIP einen Klangraum an, in welchem die ZuhörerInnen von Lautsprechern und den SpielerInnen (als Live-KlangträgerInnen) rings umgeben sind: Das Publikum taucht in einem Hybrid zwischen Tableau Vivant, Installation, Performance und Musiktheater ein. Die InterpretInnen vermischen sich mit den Klangtexturen und verschwinden im Klangraum. Musikalisch spielen UMS’nJIP mit Ästhetiken des Synthie-Pops der 1980er und filigranen klanglichen Einschwing- und Auflösungsprozessen, wie sie Komponisten wie Furrer oder Sciarrino etabliert haben. Kreismotive und serielle Kompositionstechniken spiegeln die Auswegslosigkeit von Woyzecks Dasein.

Besonders ist die Behandlung der Singstimme: jeder Rolle wird eine einzige Stimmfarbe von JIP zugeordnet. Die einzige Rolle, welche stimmlich eine Veränderung erfährt, ist Woyzeck: er ist auch der Einzige, der — und nur zu Beginn des Stücks — über eine normale Sprechstimme verfügt. Im Verlaufe des Stückes durchläuft er alle Stimmfarben, bis er in der irren Stimmfarbe, die dem Hauptmann zugewiesen ist, endet. Zu sehen sind auf der Bühne eine Frau und ein Mann an zwei Arbeitstischen, wobei offengelassen wird, ob sie Marie und Woyzeck darstellen. Vielmehr hat man den Eindruck einer Heimwerkstatt. Deren Aufgabe ist denkbar einfach: Ordnung im Chaos schaffen.

 Krachende Beats, jazziger Swing, unerschöpfliche Fantasie und unerhörte Zartheiten: Das ist Hardcore Chamber Music, radikal frei und auf den Punkt improvisiert. Dass dabei eine gewisse Lässigkeit vorhanden ist und auch Humor nicht zu kurz kommt, liegt am weiten Erfahrungsschatz der drei Protagonisten, die niemandem mehr etwas beweisen müssen. Varner ist ohne Zweifel einer der Allerbesten seines Fachs, nicht nur in Deutschland, Hengst (den Essenern u.a. als Kurator des JOE-Festivals bekannt) an Power und Einfallsreichtum kaum zu übertreffen und Töpp bündelt die Ideen seiner Partner mit geradezu kompositorischer Konsequenz. Ganz klar ein meisterhaftes Konzert für die Stuhlkante!

„Feinste Töne aus perfekt beherrschten Instrumenten in schöner Harmonie wechseln mit brachialen akustischen Stürmen und Klanggewittern. Ja, freie Improvisation kann auch Spaß machen.“ – Elmar Petzold, jazz-fun

„Die ausdifferenzierten Gesten dieser frei improvisierten Musik bestätigen diese als künstlerische Gattung, in der vor allem jene überzeugen können, die vorher schon andere musikalische Daseinsstufen durchlaufen haben.“ – Stefan Pieper, nrwjazz

„Gitaarklanken uit de onderwereld die snel gecounterd worden door opborrelende trombonegeluiden uit een al even geheimzinnige schimmenwereld…“ – Georges Tonla Briquet, jazzhalo (Brüssel)

Ist das Kunst oder Kommerz? Oder beides? Kann das weg? Muss es bleiben?! Bei „Kunst gegen Bares“ entscheidest Du: Sechs Newcomer-Acts stehen auf der Bühne und zeigen ihre kreativsten Talente – ob Zauberei oder Musik, Poetry Slam oder Stand Up, Drama oder auch Absurditäten, die jedes Genre sprengen – alle 15 Minuten gibt es eine neue Überraschung in der Show. Mindestens! Denn zwischen den Acts führt Relate-Sänger Patrick Krahe durch den Abend. Das kann heiter werden. Wie entscheidet das Publikum? Wer wird Meister oder Meisterin der Herzen? Wer Star oder Sternchen? Am Ende stehen die Sparschweine bereit, gefüllt zu werden, um die Aufstrebenden zu unterstützen. Kunst gegen Bares – das Open Stage Format im Rabbit Hole Theater. Du möchtest selbst mitmachen und auf der Bühne stehen? Schreib uns eine Mail an follow@rabbithole-theater.de!

“Memorias Latinoamericanas” ist ein zweisprachiges Theaterstück, inspiriert durch das Werk des uruguayischen Schriftstellers Eduardo Galeano. Basierend auf dokumentarischen Quellen lässt es lateinamerikanische Geschichte des 20. Jahrhunderts erneut lebendig werden. Im Rhythmus der verschiedenen Klänge tritt das Publikum ein in Mikrogeschichten über die ikonischen Charaktere und Gemeinschaften dieses Kontinents. Die ausgewählten historischen Ereignisse weisen Kontinuitäten und Referenzlinien bis heute auf. Ob die Frage des sexuellen Ausdrucks in Kolumbien, die territorialen Rechte indigener Gruppen in Chile oder kulturelle Identitäten in Mexiko, ein Blick in die Geschichte ist immer ein Blick in Gegenwart und Zukunft. “Memorias Latinoamericanas” fördert den interkulturellen Austausch und führt das Publikum spielerisch an die Geschichte Lateinamerikas heran. Und ganz nebenbei ist es ein großer Genuss, die Spielfreude von „La Perra Alegria“, Samanta Elena Pizarro Aliste und Adam Arhelger, live zu erleben.

Thomas Huy
Sänger
Thomas Huy studierte an der Hochschule für Musik und Tanz Köln klassischen Gesang bei Prof. Thomas Piffka und war als Bass/Bassbariton von Oper bis Konzert bei unter anderem den Darmstädter Residenzfestspielen 2023 (Aida-Il Re/Ramfis), Wuppertaler Bühnen, Darmstadtium, Essener Dom, Tonhalle Düsseldorf und Ruhrtriennale zu hören. Darüber spezialisiert er sich auf verschiedene Konzepte der Zusammenführung von verschiedenen Kunstrichtungen und arbeitet mit einem besonderen Schwerpunkt in Düsseldorf. Dabei hat er Funktionen von Sänger/Darsteller bis hin zu Regie und künstlerische Leitung/ Direktion. Z.B. war er Teil der Hauptorganisation/Kuration der Art Artist 2025 und hat dort ein umfangreiches und Disziplin-übergreifendes Performance-Programm koordiniert. Am Stadtstrand Düsseldorf leitet er eine Klassik Konzertreihe; mit dem Choreografen/Ballettdirektor Pascal Touzeau leitet er die Kompanie Pascal Touzeau & Co. In digitalen Musiktheaterformaten verbindet ihn eine enge Zusammenarbeit mit Florian Etti und Caspar Etti.

Stephan Lux
Pianist
Stephan Lux entstammt einer in musikalischer Hinsicht traditionsreichen thüringischen Familie, in der beispielsweise sein Urururgroßvater, der Ruhlaer Stadtkantor Georg Heinrich Lux (1779 – 1861) eine Freundschaft mit Franz Liszt pflegte. Der Komponist Friedrich Lux (1820 – 1895) ist sein Ururgroßonkel. Stephan Lux erhielt verschiedene Preise und Auszeichnungen, u.a. den ersten Preis beim Bayreuther Klavierwettbewerb, einen Sonderpreis beim Internationalen Schubertwettbewerb, den Kulturförderpreis der Westfälischen Wirtschaft, einen Preis beim Wettbewerb für Neue Musik Weimar sowie Stipendien u.a. des Richard-Wagner-Verbandes Bayreuth und der GFBK Hannover. 1998 wurde er in die Yehudi-Menuhin-Foundation aufgenommen, zudem ist er Mitbegründer und war zeitweilig Präsident der Internationalen Olivier-Messiaen-Gesellschaft. Neben seiner Tätigkeit als Konzertpianist ist Stephan Lux ein gefragter Liedbegleiter, Kammermusiker und Konzertorganist. Konzertreisen führten ihn u.a. in das Konzerthaus Dortmund, in die Villa Wahnfried Bayreuth, nach Holland, Frankreich, Italien, auf das ROHSPAG-Festival in Brasov (Rumänien), zum Festival „Mitte Europa“, nach Lettland sowie mehrfach nach Japan.

Ist das Kunst oder Kommerz? Oder beides? Kann das weg? Muss es bleiben?! Bei „Kunst gegen Bares“ entscheidest Du: Sechs Newcomer-Acts stehen auf der Bühne und zeigen ihre kreativsten Talente – ob Zauberei oder Musik, Poetry Slam oder Stand Up, Drama oder auch Absurditäten, die jedes Genre sprengen – alle 15 Minuten gibt es eine neue Überraschung in der Show. Mindestens! Denn zwischen den Acts führt Relate-Sänger Patrick Krahe durch den Abend. Das kann heiter werden. Wie entscheidet das Publikum? Wer wird Meister oder Meisterin der Herzen? Wer Star oder Sternchen? Am Ende stehen die Sparschweine bereit, gefüllt zu werden, um die Aufstrebenden zu unterstützen. Kunst gegen Bares – das Open Stage Format im Rabbit Hole Theater. Du möchtest selbst mitmachen und auf der Bühne stehen? Schreib uns eine Mail an follow@rabbithole-theater.de!

Honey Bizarre sind die rebellische Thereminspielerin Gilda Razani und der Tastengott Hanzō Wanning, die in ihrem Raumschiff durch das Universum fliegen, sich nach Freiheit und Improvisation sehnen; immer auf der Suche nach neuen Abenteuern und ungewöhnlichen Klängen, die die Welt träumen und tanzen lassen.

Sie nehmen dich mit auf eine energiegeladene Klangreise durch die große Symphonie der Welt mit cineastischen Klanggemälden, treibenden Rhythmen und eindringlichen Melodien und der Himmel ist deep, dark, heavy und sweet!! 

Gilda Razani ist eine der wenigen weltweit auftretenden Thereminspielerinnen. Mit tänzerischer Grazie formt die gebürtige Iranerin das unsichtbare elektronische Feld zwischen den beiden Antennen des Ätherwelleninstruments, Neben ihrer klassischen Spielwiese setzt sie elektronische Effekte ein, um E-Gitarren-ähnliche Klänge zu erzeugen,. Auch benutzt Sie Instrumente wie The Pipe von Somasynths, Kaosspad und Sopransaxofon.

Hanzō Wanning komponiert, produziert und improvisiert gerne ein breites stilistisches Spektrum moderner Musik, wobei er Klavier, Synthesizer und eine Vielzahl elektronischer Geräte auf ganz eigene Weise einsetzt. 

Gemeinsam komponierten sie einige Alben für ihre bands Sub.vision und About Aphrodite, Filmmusiken und Hörspiele für den Westdeutschen Rundfunk Köln und gründeten die Soundbranding Agentur Honeysounds.

Auf ihren intergalaktischen Reisen landen Razani und Wanning an besonderen Orten um dort aufzutreten, sei es auf Festivals, in Konzertsälen, im Theater oder bei Kunstausstellungen, bei Events, in den Bergen, auf der Straße oder anderen Universen.

Ist das Kunst oder Kommerz? Oder beides? Kann das weg? Muss es bleiben?! Bei „Kunst gegen Bares“ entscheidest Du: Sechs Newcomer-Acts stehen auf der Bühne und zeigen ihre kreativsten Talente – ob Zauberei oder Musik, Poetry Slam oder Stand Up, Drama oder auch Absurditäten, die jedes Genre sprengen – alle 15 Minuten gibt es eine neue Überraschung in der Show. Mindestens! Denn zwischen den Acts führt Relate-Sänger Patrick Krahe durch den Abend. Das kann heiter werden. Wie entscheidet das Publikum? Wer wird Meister oder Meisterin der Herzen? Wer Star oder Sternchen? Am Ende stehen die Sparschweine bereit, gefüllt zu werden, um die Aufstrebenden zu unterstützen. Kunst gegen Bares – das Open Stage Format im Rabbit Hole Theater. Du möchtest selbst mitmachen und auf der Bühne stehen? Schreib uns eine Mail an follow@rabbithole-theater.de!